Nouveaux albums : la sélection des sorties de septembre 2025

Il faut dire que Byrne a su bien s'entourer pour habiller ces 12 titres absolument irréprochables, les arrangements de cordes, de cuivres et les percussions omniprésents sur l'album sont signés par les quinze musiciens du Ghost Train Orchestra et le tout produit par Kid Harpoon (Harry Styles, Miley Cyrus). S'il a conservé une énergie juvénile, David Byrne se rend ici beaucoup plus immédiatement accessible, lui à qui certains ont reproché son côté arty, voire intello. Cependant, les paroles sont toujours aussi délirantes comme quand il déclare son amour à son appartement sur « My Apartment Is My Friend » un des meilleurs titres de l'album à la tonalité légèrement mélancolique ou sur « Moisturizing Thing » tout aussi excellent dans lequel il imagine une crème qui rajeunit tant qu'il se retrouve avec un corps d'un enfant de 3 ans avant de terminer par un festival de cuivres.

On retrouve sur l'entrainant « What Is The Reason For It ? » l'exubérance d'« Everybody Laugh » tous les cuivres, les cordes et les percussions sont de sortie pour un titre qui tend vers des rythmes et ambiance latinos. Même chose sur « The Truth » qui ferme l'album et sur « Don'T Be Like That » ouvert par des percussions que des arrangements de cordes viendront accompagner.

Cependant Byrne n'oublie pas son passé de défricheur sur le formidable « The Avant Garde » au couplet bancal qui soudain trouve un équilibre miraculeux sur le refrain. Il prend le temps d'une pause quasi acoustique sur la magnifique ballade « A Door Called No » aux superbes arrangements de cordes.

Alors bien entendu, « Who Is The Sky ? » n'est pas le nouveau « Remains In Light » (1980) chef-d'oeuvre des Talking Heads, il n'en a ni la profondeur, ni l'originalité, ni même des titres aussi exceptionnels mais en ces temps si sombres, comment ne pas souligner cette volonté chez David Byrne de faire sourire, danser, cette capacité de dérision, de légèreté bienvenues. Alors oui, pour tout cela, il mérite d'être l'album du mois.

Il ne faut pas longtemps pour comprendre que ce nouvel album de Neil « je suis un groupe à moi tout seul » Hannon alias The Divine Comedy est un grand millésime. Dès « Achilles », premier titre de l'album, on retrouve toute la finesse de la mélodie, la sophistication des arrangements de cordes qui jamais ne sombrent dans l'emphase, les paroles bouleversantes qui évoquent l'angoisse de celui qui va partir à la guerre. Ce chef d'oeuvre de pop orchestrale est l'égal de tous ceux qui ont jalonné la carrière exceptionnelle de l'irlandais depuis « Liberation » (1993), « Promenade » (1994), « Casanova » (1996), « Fin de Siècle » (1998) ou encore « Absent Friends » (2004). Après une légère incursion dans la pop électronique sur le précédent « Office Politics » (2019), le voici revenu de manière absolument magistrale à cette pop léchée, érudite, héritée de Scott Walker. La mise en son est exceptionnelle, il faut dire que Neil Hannon s'est payé le studio d'Abbey Road.

Après cette entrée en matière en platine, « Rainy Sunday Afternoon » déploie tout l'immense talent de son auteur. Tout en douce mélancolie, il égrène les perles les unes après les autres. C'est « The Man Who Turned Into A Chair » et ses choeurs angéliques, le pluvieux « I Want You » et ses torrents de cordes qui contraste avec le guilleret « Rainy Sunday Afternoon ». Plus loin « All The Pretty Lights » enchante avec ses cordes, ses cuivres et sa mélodie printanière parfaite. « The Heart Is A Lonely Hunter » est un bijou mélancolique irrésistible d'une beauté sombre alors que « Invisible Thread » est une des plus belles chansons entendue ces derniers temps que Neil Hannon interprète en duo avec sa fille.

Enfin, je ne résiste pas à traduire quelques vers du kitsch « Mar-A-Lago By The Sea », formidable charge ironique contre Donald Trump, qui n'y comprendra rien vu sa capacité à accéder au second degré. Hannon lui donne la parole depuis sa cellule de prison, nostalgique de sa propriété de Floride. « Cheating losers on the greens / Tromper les perdants sur les greens / Swapping wives for beauty queens / Échanger ses femmes contre des reines de beauté / Making turgid wedding speeches / Faire des discours de mariage pompeux / Entertaining fascist leeches / Avoir des sangsues fascistes divertissantes / Mar-a-lago, how I miss / Mar-a-lago, comme ça me manque / The golden johns in which I pissed / Les toilettes dorées dans lesquelles j'ai pissé / All that ostentatious wealth / Toute cette richesse ostentatoire / The paintings of myself / Les peintures de moi / when I was young and free / Quand j'étais jeune et libre »

« The Clearing », 4ème album studio du groupe britannique Wolf Alice est sorti dans les derniers jours d'août, ne me laissant pas le temps d'en parler dans le « En 4ème Vitesse » précédent. Réparons cet oubli.

Le groupe britannique de la chanteuse Elli Roswell, mise en avant sur la pochette de « The Clearing », publie ici son 4ème album, le premier sur une major, avec des intentions manifestes de succès massifs. Ils sont allés chercher Greg Kurstin, producteur d'Adèle et d'Harry Styles, pas forcément excitant sur le papier, pour façonner le son d'un album ambitieux, au moins commercialement. L'est-il artistiquement parlant ? La réponse est mitigée, l'album étant constitué de titres parfois pesants, étouffés par une production sans âme, mais aussi d'autres somptueux, qui flirtent avec le Fleetwood Mac de la grande époque.

Dans la première catégorie, majoritaire au début du disque, on va trouver par exemple le très pénible « Bloom Baby Bloom », summum de laideur, qui tient plus du semi-remorque que de la Formule 1, sur lequel Elli Roswell force le trait sur un rythme mastoc. Un peu plus loin « Leaning Against The Wall » n'emballe pas tellement non plus avec ses faux airs de ballade country acoustique qu'un emballage soigné ne parvient pas à tirer de la banalité. Le rythme s'accélère sur « Bread Butter Tea Sugar » mais on est déçu par ce que promettait le menu alléchant tant le morceau encore une fois emballé à la sauce californienne ne sort pas de la futilité.

Heureusement, le reste de l'album est bien au-dessus du lot allant du bon à l'excellent. Difficile de ne pas fondre devant ce « Thorns » en or massif placé en ouverture, ce piano, ces cordes, cette voix majestueuse qui tutoie les merveilles rencontrées ailleurs chez Weyes Blood par exemple. « Just Two Girls » n'atteint pas les mêmes sommets mais ce mid tempo de pop californienne ensoleillée tient sacrément la route, sûrement la Pacific Coast Highway, la même route qu'emprunte le tubissime « Passenger Seat », irrésistible soft rock à bord duquel on aimerait être au volant quand Elli Roswell chante « In The Passengear Seat / I'M Your Girl ». La jolie ballade au piano qu'est « Play It Out » ne tombe jamais dans la mièvrerie mais c'est assurément dans la dernière ligne droite de l'album que Wolf Alice est à son meilleur.

Elli Roswell y enchaine des performances vocales d'une grande qualité, toujours dans la sobriété, au service de chansons d'une qualité supérieure. Que ce soit sur le très beau « Safe In The World » modèle de soft rock, sur « Midnight Song » somptueuse ballade acoustique digne du Fleetwood Mac des grands jours, avec ses traits de violoncelle, ses harmonies vocales parfaites. On monte encore d'un cran pour le meilleur titre de l'album qu'est « White Horses » qui ne déparerait pas sur le double album du Mac « Tusk » (1979) pour situer le niveau. Impossible de se lasser de ce refrain monumental, qui vient conclure un titre en perpétuelle évolution, aux trouvailles mélodiques innombrables et sur lequel le batteur Joey Amel vient accompagner Elli Roswell au chant, rappelant Lindsey Buckingham et Stevie Nicks.

On termine par « The Sofa » superbe point final en forme de ballade au piano enrobée de cordes sur laquelle Elli Roswell revendique le droit d'être elle-même « I Can Be Happy, I Can Be Sad / I Can Be A Bitch When I Get Mad / I Wanna Settle Down, Oh, To Fall In Love / But, Sometimes, I Just Want To Fuck ». Ça a le mérite d'être clair.

Depuis la sortie de « U.F.O.F » et « Two Hands » en 2019, Big Thief, le groupe emmené par Adrianne Lenker, n'en finit plus de grandir tout en récoltant de plus en plus de succès, qu'il soit critique ou public. Le groupe d'indie folk est désormais une valeur sûre et la sortie de « Double Infinity » était attendue avec grande impatience d'autant plus que « Dragon New Warm Mountain I Believe In You » (2022) date d'il y a déjà 3 ans. Il faut dire que ce double album avait placé la barre très haut rempli qu'il est de titres absolument sublimes, sur lesquels la voix immédiatement identifiable, pleine de fragilité et de fêlures d'Adrianne transporte ses auditeurs.

Depuis, le bassiste Max Oleartchik a quitté Big Thief et, plutôt que de chercher à le remplacer, le groupe a décidé de rester un trio. Changeant alors leurs habitudes, les trois membres restant, qui s'isolaient loin de toute civilisation pour enregistrer leurs albums, ont au contraire choisi la ville et pas n'importe laquelle, puisque c'est au fameux Power Station, le célèbre studio New-Yorkais qu'ils se sont enfermés pour pondre ce « Double Infinity » nouveau. Un changement n'arrivant jamais seul, c'est la musique du groupe qui connait ici une évolution notable. Si les chansons sont toujours folk à la base, de nombreux instruments viennent s'ajouter à ceux traditionnellement utilisés sur les albums précédents. Pour cela, Big Thief a ouvert les portes du studio et accueilli de nombreux invités. Le plus fameux d'entre eux, Laraaji, s'est spécialisé dans l'ambient et a travaillé avec le grand Brian Eno. Difficile de faire plus éloigné de l'univers musical de Big Thief. Il joue ici de la cithare, des percussions, injecte des boucles électroniques dans le folk de Big Thief et chante même sur « Grandmother ». Par ailleurs, les voix multiples, les synthés, le piano viennent élargir une palette sonore plus riche qu'auparavant, peut-être d'ailleurs au détriment de l'émotion. Un sentiment d'improvisation plane parfois sur l'album ou le sentiment de n'avoir à faire qu'à des ébauches de chansons comme sur « No Fear ».

« Incomprehensible », qui ouvre l'album, est révélateur de ce son nouveau d'autant plus qu'ici la réussite est manifeste. La matière sonore est riche et dense, fourmillant de détails qui forment pourtant une masse dans laquelle il est assez difficile d'isoler tel ou tel instrument. Adrianne Lenker y prouve aussi qu'elle n'a rien perdu de sa plume, racontant, en mêlant description de paysages et réflexions intimes, un voyage au Canada : « La seule chose que je garderai, ce sont les lettres et les photos / The only thing I'll keep are the letters and the photographs / Dans deux jours c'est mon anniversaire et j'aurai 33 ans/ In two days it's my birthday and I'll be 33 / Cela n'a pas vraiment d'importance à côté de l'éternité / That doesn't really matter next to eternity / Mais j'aime les nombres doubles, et j'aime aussi les nombres impairs / But I like a double number, and I like an odd one too »

Le chiffre 33 est encore cité sur « Los Angeles » autre grande réussite du disque, ode ambigüe à la ville : «  Los angeles, 3:33 rien sur la stéréo / Los angeles, 3:33 nothing on the stereo / Thé sale, tu es comme la Joconde / Dirty tea you're like the Mona Lisa / Souriant dans la pénombre, mystérieusement mais sérieusement / Smiling in the half-light, mysteriously but seriously ». Avec « Words » et « All Night All Day », la face A plane à haute altitude avant de s'achever en beauté sur le titre éponyme au ralenti. La face B sera un peu moins convaincante avec un « Happy With You » très répétitif mais avec Big Thief on reste tout de même au-dessus du commun des groupes.

« Double Infinity » marque donc un pas en avant globalement réussi et augurant d'un futur passionnant.